How was music created: Where did music come from? Recent article discusses how music arose and developed — ScienceDaily

¿Cómo se originó la música? Herramientas del mundo antiguo | Cultura

La historia de los instrumentos musicales comenzó con sonajas hechas de cráneos llenos de semillas y piedras, costillas de hueso, con la ayuda de las cuales se reproducía un sonido parecido al de un chirrido. Pero claro, los instrumentos más populares eran los tambores.

En los albores del tiempo

Los científicos consideran idiófonos los primeros instrumentos que surgieron en los albores de la humanidad. Estos son varios golpeadores y batidores.

Los tambores fueron seguidos por latón . ¡Un antiguo instrumento parecido a una flauta, creado 20 mil años antes de nuestra era, fue encontrado en Asturis!

las cuerdas no tardaron en llegar – un antiguo prototipo de la lira: se golpeaba un trozo de hueso o madera en las venas estiradas, consiguiendo un sonido.

Aparecieron los primeros aerófono – un guijarro parecido a una punta de lanza que hizo un sonido parecido a un estruendo.

En el mundo antiguo, las herramientas primitivas comenzaron a usarse durante los rituales, por ejemplo, regocijándose en una cacería exitosa.

Los investigadores consideran los territorios bañados por el Tigris y el Éufrates, la parte sur de Mesopotamia, como la cuna de la civilización musical. Con el desarrollo del habla y la escritura, comenzaron a aparecer instrumentos más complejos, como una flauta y un chirriador, que luego “crecieron” hasta convertirse en un oboe, así como pequeñas liras.
Una niña tocando el oboe
Foto: Depositphotos

Los instrumentos y las propias canciones se heredaban, se depositaban en las tumbas. Los habitantes de Babilonia hicieron una gran contribución al desarrollo de la música en esta etapa. Un análisis de los hallazgos indica que, en un principio, la música se basó en la escala pentatónica, una escala de cinco sonidos, y luego se transformó en una escala diatónica de siete notas. Los babilonios asociaron estas notas con los planetas.

Música del Antiguo Egipto, Antigua Grecia y Roma

Los egipcios llamaban a la música “alegría”, y les acompañaba en todos los ámbitos de la vida. De todos los instrumentos se puede distinguir el arpa. El apogeo de la cultura musical en Egipto cayó sobre el reinado de Nefertiti y Tutankamón.

En la antigua Grecia, la música comenzó a desarrollarse en el segundo milenio antes de Cristo. Los griegos tenían instrumentos musicales como la cítara, el barbitón, la formación, el tímpano, el címbalo. La música estaba estrechamente relacionada con la filosofía. El famoso Pitágoras descubrió la conexión entre la música y las cantidades matemáticas y participó en la creación de la doctrina de las proporciones de los sonidos. La ética en la música fue predicada por Aristóteles, Platón y otros filósofos. La música de la antigua Grecia también estuvo estrechamente asociada con la poesía y el teatro. Instrumentos como la cítara y la lira se convirtieron en el emblema musical de la Grecia clásica.

Apolo con lira, ca. 460 aC mi. Museo Arqueológico de Delfos
Foto: Fingalo, ru.wikipedia.org

El canto poético también estaba muy extendido en Roma. Las obras de Virgilio, Ovidio, Horacio, acompañadas de tibia y cítara, fueron muy queridas por el pueblo. Músicos romanos famosos fueron Anaxenor, Mesomedes, Diodorus y otros.

La música ha complacido y apoyado a las personas en todo momento, es parte de su patrimonio. Acompaña nuestra vida hoy.

Etiquetas:

mundo antiguo,
instrumentos musicales,
historia de los instrumentos musicales
Mesopotamia,
cultura musical

¿Cómo se desarrolló histórica y dinámicamente la música clásica?

Es importante que todo músico sepa no solo qué compositores de tal o cual época fueron famosos, sino también cómo se desarrolló exactamente el camino musical y el equilibrio dinámico
. por que es tan importante? Y es que la diversidad escénica en el mundo de la música clásica nos hace experimentar algunas dificultades para comprender su cronología y estructura.

Cualquier intento de definir literalmente lo que significa el término “música clásica” está plagado de una serie de dificultades.
¿Cómo describir en pocas palabras una tradición musical que incluye una variedad tan infinita de estilos y expresiones?
En efecto, se puede entrar en un terreno muy peligroso si se supone que simplemente “supera” a otros géneros musicales como la música popular, el jazz, el rock, etc. , por no hablar de la música de otras culturas. ¡Nos centraremos en el hecho de que el desarrollo dinámico de la música clásica ha formado una base sólida para todo el arte musical! ¿Todavía lo dudas?

En este artículo aprenderemos cómo la música clásica se ha desarrollado histórica y dinámicamente !

Contenido

Alternar

El primer período fue la Edad Media (c. 1150 – c. 1400)

La música formó parte de las civilizaciones del mundo cientos de años antes de la Edad Media. Las pinturas rupestres primitivas, las historias de la Biblia y los jeroglíficos egipcios ilustran el hecho de que la gente ha estado fabricando instrumentos y música durante siglos.

La Edad Media se considera el primer período en el camino hacia la formación de la música clásica. La música secular escrita más antigua proviene de los trovadores del siglo XII (en forma de virelets, estampies, baladas, etc.), pero la mayoría de los manuscritos musicales provienen predominantemente de lugares de aprendizaje, generalmente asociados con una iglesia y, por lo tanto, inevitablemente tienen una base religiosa. Los primeros cristianos tomaron prestada su música de los cantos devocionales judíos y bizantinos.

El canto gregoriano y el canto simple, que son monódicos (es decir, escritos como una línea musical) evolucionaron gradualmente a lo largo de los siglos XI al XIII hasta convertirse en organum (es decir, dos o tres líneas que se mueven simultáneamente pero de forma independiente, por lo que representan casi sin querer el comienzo de la armonía). Este fue el requisito previo para la armonización y saturación de las primeras obras musicales.

La música profana de la Edad Media incluía canciones de amor, sátira política, danza y teatro, así como temas morales, incluso religiosos, pero no de uso eclesiástico. Las obras no litúrgicas como los cantos de amor a la Virgen María serían consideradas seculares. La mayoría de la música secular era silábica y tenía un rango estrecho. Los ritmos son en su mayoría desconocidos, y probablemente la improvisación ligera, al menos para embellecer, era común.

Naturalmente, hay poca evidencia de música y músicos seculares. En el siglo X, había malabaristas y juglares, intérpretes vocales e instrumentales itinerantes que se basaban en la tradición oral y tocaban principalmente la música de otros de bajo estatus social, en paralelo a las figuras del carnaval de hoy. En los siglos XII y XIII, los goliardos, los poetas eruditos o los gitanos cantan vino, mujeres y política en latín.

Segundo período – Renacimiento (1400-1600)

El siglo XV vio un aumento significativo de las libertades, especialmente en términos de lo que en realidad se percibe como “armonía” y “polifonía” (movimiento simultáneo de dos o tres partes interrelacionadas).

La música del Renacimiento representó un gran salto de sofisticación con respecto a la música de la Edad Media. Características clave de la música renacentista:

1. Polifonía: mientras que la música medieval a menudo se caracteriza por el canto homofónico (como en los cantos gregorianos), la música renacentista de compositores como Hoskin, Palestrina y Thomas Tallis enfatizaba el canto polifónico polifónico. Lo mismo ocurre con la música instrumental multivoz.
2. Música tonal: Gran parte de la música de la Edad Media era modal, lo que significa que seguía estilos musicales en lugar de escalas mayores o menores. Durante el Renacimiento, esto comenzó a cambiar. Parte de la música, especialmente la música vocal, siguió siendo modal por naturaleza, pero formas más nuevas, como el madrigal inglés y el madrigal italiano, adoptaron la música tonal, que sigue siendo popular hasta el día de hoy. En la música tonal, hay un fuerte énfasis en las cadencias al final de los movimientos o de las obras completas; de esta manera, el oído del oyente puede bloquearse en una tecla específica.
3. Riesgo aumentado: la música del Renacimiento temprano, como la música de Guillaume Dufay, apoyó las reglas armoniosas de la música medieval de la Baja Edad Media. Pero a medida que surgieron nuevos estilos durante el siglo XVI, la música renacentista comenzó a traspasar los límites e introducir momentos de disonancia. La música a cappella italiana y alemana utilizó un estilo llamado musica reservata , con cromatismo y ornamentación notables. Mientras tanto, pasajes musicalmente audaces de compositores como Palestrina influyeron fuertemente en los primeros músicos barrocos como el compositor veneciano Claudio Monteverdi.

En la segunda mitad del siglo XVI, comenzó una tradición que muchos amantes de la música asocian fácilmente con el sentimiento habitual de la música “clásica”. Gradualmente, los compositores se alejaron del sistema modal de armonía que había prevalecido durante más de 300 años, organizando su trabajo en escalas mayores y menores, dando así un fuerte sentido de que cada pieza tiene un centro tonal específico o “clave”.

Tercer período – Barroco (1600-1750)

El período barroco proporcionó la base para los siguientes 300 años de expresión musical: nació la idea de la orquesta moderna, junto con la ópera (que incluye obertura, preludio, aria y coro), concierto, sonata y cantata moderna.

Una de las principales corrientes filosóficas de la música barroca es el interés renacentista por las ideas de la Grecia y Roma antiguas. Los griegos y los romanos creían que la música era un poderoso medio de comunicación y podía evocar cualquier emoción en los oyentes. Como resultado del resurgimiento de estas ideas, los compositores se volvieron cada vez más conscientes del poder potencial de la música y cultivaron la creencia de que sus propias composiciones podrían tener efectos similares si imitaban correctamente la música antigua.

Un nuevo interés por las posibilidades dramáticas y retóricas de la música dio lugar a muchos nuevos ideales sonoros en el período barroco.

Entre los desarrollos importantes en el campo de la música estuvo la transición del uso de los modos eclesiásticos, representados en los cantos gregorianos, al sistema mayor-menor , representado en las escalas mayor y menor que tenemos hoy. La polifonía del Renacimiento dio paso a un nuevo estilo muy ornamental con fuerte raíz armónica . Gran parte de la música barroca fue apoyada por el bajo continuo , una sólida línea de bajo tocada en el teclado y amplificada en el violonchelo o el bajo, proporcionando una base armónica. Otras características fueron unidad de estado de ánimo (presencia del mismo estado de ánimo o sentimiento a lo largo de una pieza musical), continuidad de ritmo. (patrones de ritmo que se escuchan al comienzo de la pieza y se repiten a lo largo de la pieza), reutilizando la melodía a lo largo de la pieza (lo que asegura aún más la continuidad de la pieza) y usando Terrace Dynamics (agregando grupos de instrumentos para aumentar el volumen o eliminando instrumentos para lograr un volumen más bajo).

En épocas musicales anteriores, una pieza musical generalmente constaba de una sola melodía, quizás con acompañamiento improvisado, o de varias melodías tocadas simultáneamente. Solo en la era barroca comenzaron a articularse realmente los conceptos de “melodía” y “armonía”.

Cuarto Período – Clásico (c.1750 – c.1830)

La época barroca fue testigo de la creación de una serie de géneros musicales que conservaron su composición a lo largo de los años, pero fue durante el período Clásico cuando surgió la forma que dominó la composición instrumental hasta el día de hoy: la forma sonata. Junto con esto, el concierto, la sinfonía, la sonata, el trío y el cuarteto modernos han alcanzado un nuevo pico de sofisticación estructural y expresiva. Mientras que la música barroca se caracteriza por texturas complejas, el período clásico se caracteriza por una casi obsesión por la claridad estructural.

Este nuevo período musical coincidió con el Siglo de las Luces, una época de cambio radical en los valores sociales centrados en los derechos humanos y la libertad religiosa. Su estilo arquitectónico recordaba a la antigua Roma y Grecia, de ahí el término “clásico”.

Las orquestas sufrieron un gran cambio: el clavicémbalo o el órgano dejaron de ser su base musical, y los instrumentos de viento como la trompa, la trompeta, el clarinete, la flauta y el oboe se unieron a las cuerdas para crear un sonido nuevo y distintivo. El montaje orquestal dio lugar a la creación del estilo musical más importante de la época, la sinfonía. Se desarrolló rápidamente al comienzo de la era, pasando del formato estándar estricto de tres movimientos con apertura rápida, movimiento medio lento y final rápido para convertirse en un vasto vehículo de cuatro movimientos para la expresión orquestal.
En la era clásica, conocemos a dos de los más grandes compositores, Haydn y Mozart, que trabajaron en Viena. Haydn compuso fantástica música coral, operística, orquestal e instrumental, pero las sinfonías fueron su mayor logro.
En los últimos años del siglo XVIII, aparece Beethoven y comienza a escribir música al estilo heredado de Mozart y Haydn. Eventualmente superó esto y destrozó el estilo clásico por las costuras, marcando el comienzo de la era romántica en la música.

Quinto período Romanticismo temprano (c.1830 – c.1860)

A medida que el período clásico alcanzaba su cenit, se hizo cada vez más claro que la cantidad e intensidad de expresión que los compositores buscaban lograr estaba comenzando a ir más allá de lo que una orquesta de tamaño clásico/piano de ingeniería podría capturar. Por lo tanto, el siguiente período en la historia de la música vio a los compositores tratando de equilibrar lo expresivo y lo formal en la música con una variedad de enfoques que habrían dejado completamente desconcertados a los compositores de cualquier época anterior. Cuando se abrió el mapa musical y comenzaron a surgir escuelas nacionalistas, fue aquí donde comenzó la búsqueda de la originalidad y la individualidad de expresión, que tanta obsesión se ha convertido en este siglo.

La era del romanticismo fue la edad de oro de los virtuosos, cuando la música más diabólicamente compleja se interpretaba con despreocupada facilidad, y el tema más inofensivo de la composición se desarrollaba durante mucho tiempo para el placer de un público adorador. La gama emocional de la música se expandió enormemente durante este período, al igual que su vocabulario armónico y la variedad y cantidad de instrumentos que podían usarse para tocarla. La música a menudo tenía un “programa” o argumento, a veces de naturaleza trágica o desesperada, a veces representando fenómenos naturales como ríos o caballos al galope. En los próximos cien años, los compositores abrazarán por completo los ideales del romanticismo o se opondrán a ellos de alguna manera.

Sexto período Romanticismo tardío (c.1860 – c.1920)

Los compositores de este período compartían una tendencia general a dar rienda suelta a su inspiración natural, a menudo dando a sus composiciones más contenido emocional y continuidad dramática que crecimiento estructural orgánico. Fue una época marcada por el surgimiento inusualmente rápido de las escuelas nacionales y la excelencia operística de Verdi y Wagner. El final definitivo del romanticismo llegó con la fragmentación de este estilo básico, con compositores que se unieron a “escuelas” de composición, cada una adhiriéndose a un estilo que estuvo en boga durante un corto período de tiempo.
Las ideas artísticas románticas se basaban en la expresión personal y en romper las reglas. No es de extrañar que el estilo musical siga evolucionando de forma significativa y, a finales del siglo XIX – ^th , los compositores se volvieron cada vez más abstractos en cuanto a la atmósfera y el estado de ánimo que querían expresar: la forma musical del impresionismo. También comenzaron a romper las “reglas” de los románticos, volviendo a las formas clásicas inspiradas en los temas románticos populares del misticismo y lo grotesco. Mahler es un excelente ejemplo de un compositor que une las eras romántica y posromántica. Eventualmente, la ruptura de reglas iniciada por los románticos se convirtió en modernistas y posmodernistas.

No es de extrañar que la música de la época romántica, con su expresividad y tendencia a contar historias dramáticas, siga siendo una de las épocas más populares de la música clásica.

Séptimo período Años posteriores a la Gran Guerra (1920 al presente)

El período posterior a la Gran Guerra es sin duda el más desconcertante, ya que los compositores han tomado varias direcciones aparentemente contradictorias y opuestas. Un dilema típico en los años de entreguerras, por ejemplo, fue el de los austriacos, Webern y Lehár, el primero experimentando con una forma muy comprimida y avanzada conocida como “estructura serial”, mientras que al mismo tiempo Lehár todavía se entregaba a un estilo de opereta que no habría parecido fuera de lugar hace más de medio siglo.