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Música lírica — Anna Blagaya

Violín | Artículos sobre el violín

Lírica en música

Las letras se caracterizan por su melodismo y musicalidad.
Se basa en asociaciones,
entonaciones adicionales
y matices semánticos.
es capaz de transmitir estados mentales complejos.
En primer plano:
imágenes parpadeantes borrosas,
construcciones de voz inestables.
Conecta con el pensamiento figurativo.
A menudo, las entonaciones se mueven
hacia la esfera acústica,
los significados de las palabras se desdibujan.
Las declaraciones líricas
tienden a ser aforísticas.
En la letra, por subjetividad
no importa dónde, qué y cuándo sucedió,
lo que importa es la huella en el alma del autor.
El espacio y el tiempo son irrelevantes.

(Teoría literaria)

A. “Actitud lírica” ​​

refiriéndose a la actuación profundamente subjetiva y animada de lo que, ya sea el trabajo (más a menudo romántico), caracterizado por la “respiración sólida” en la redacción Sonido fluido, fluido y flexible, que cambia constantemente de color siguiendo los más sutiles cambios en el estado de ánimo que transmite la música.

Todo lo dicho anteriormente sobre las letras literarias también es válido para las letras musicales

(dependencia de asociaciones, entonaciones adicionales y matices semánticos; conexión con el pensamiento figurativo, la capacidad de transmitir estados mentales complejos; colocar imágenes borrosas y parpadeantes, construcciones inestables en el primer plano Bordes de varios elementos constructivos (frases) realmente, por así decirlo, borrosos).

Citemos como ejemplo el tema de la adivinación Carmen de la fantasía del violín de P. Sarasate, donde el impacto musical en el oyente se debe principalmente a las cualidades anteriores, o la música para violín de Karol Szymanowski y, en en particular, su Primer Concierto, así como la “Fuente de Aretuza” de “Mitos”.

2. Las declaraciones líricas pueden tomar varias formas:

— letras autopsicológicas – el tema es el mundo interior del autor. El discurso se lleva a cabo en primera persona (monólogo).

El ejemplo más brillante de este tipo de letras es el famoso “Poema” de Chausson (volveremos a este título en el proceso de escritura del ensayo, porque dice mucho).

– lírica meditativa – reflexión emocionalmente rica sobre algo (lírica de sentimiento, lírica de pensamiento, lírica de descripción y lírica de narración).

Recordemos piezas como Contemplation de Brahms, Meditation de Massenet, Album Leaf de Wagner, etc., así como tradicionalmente casi todas las segundas partes de los conciertos (por ejemplo, Brahms, Tchaikovsky…)

Añadamos que la narración lírica también puede ser en forma de diálogo (porque en la música, por ejemplo, en las sinfonías, son posibles formaciones que imitan el diálogo), apelación a una persona indefinida, sentimientos a través de la trama (balada), y también, debido a la penetración sin trabas de las letras en obras de cualquier género y dirección, puede tomar varias formas mixtas, como, por ejemplo, letras filosóficas , cuyas características se expresan claramente en las segundas partes de las sonatas para violín solo de I. S. Bach (especialmente – Do mayor y La menor).

Además, no sólo las obras completas o incluso sus partes individuales son líricas. Muy a menudo se encuentran con episodios líricos, temas: aparecen por un corto tiempo, se reemplazan rápidamente por episodios de carácter opuesto, pero a veces determinan la apariencia completa del trabajo en su conjunto.

Tal es, por ejemplo, la parte lateral del Primer Concierto de Paganini, y los temas secundarios de otros conciertos, en los que esta cualidad es más o menos pronunciada.

Hay que decir que en el caso de que el comienzo lírico aparezca de forma episódica en una obra, esto conlleva algunas dificultades de interpretación. El hecho es que la percepción lírica implica su propio estilo de interpretación, sus propios métodos, a menudo muy diferentes de los métodos que habrá que utilizar en el siguiente episodio contrastante. El arte del cambio instantáneo es una cuestión de habilidad que no surge inmediatamente.

Antes de pasar a la cuestión de la implementación práctica del elemento lírico en la música, me gustaría mencionar que (y esto es muy importante) que la lírica no se manifiesta necesariamente en obras “lentas” (gran error). Desde un punto de vista estético, “Last Rose of Summer” de Ernst es un verdadero ejemplo de poesía real, es una pieza lírica, ya que los pasajes en ella son solo variaciones sobre un maravilloso tema de canción popular.

B. Sobre los “más” y “menos” de la cosmovisión lírica en relación con tocar el violín

De lo anterior se desprende la importancia para el músico de la cualidad que llamamos “cosmovisión lírica”. Sin ella, la música pierde su poder de influencia. La naturaleza de un verdadero músico es inconcebible sin esta cualidad, sin emociones, sin experiencias estéticas.

Sin embargo, también hay una desventaja en este fenómeno.

Está en el hecho de que debes prestar atención constantemente a algunos problemas tecnológicos que pueden surgir en las diferentes etapas de masterización de la obra debido a la experiencia emocional de la música.

Estos problemas son:

– Ritmo,

– Entonación (a menudo se vuelve un poco más baja, pero también puede subir),

– Articulación en pasajes (“pronunciación” de notas pequeñas con los dedos de la mano izquierda).

Detengámonos en esto con más detalle.

Cuidar la calidad del rendimiento

Si los dos primeros problemas se eliminan fácilmente (con la debida atención, todo pasa rápidamente y en las siguientes etapas de comunicación con este trabajo, el próximo acceso a él, no se reanuda ), entonces este último puede estropear seriamente la impresión de rendimiento; además, puede surgir en cualquier momento y nadie es inmune a ella.

Esto es principalmente una cuestión de psicología.

(El hecho es que existen patrones psicológicos relacionados con el estado emocional durante la práctica. Los sentimientos de ansiedad, tristeza se convierten en una mayor atención al lado emocional de la música, una penetración profunda en ella, mientras que la mano derecha a menudo cae más abajo de lo necesario, y el violín también, una persona se “apoya” en él, lo que hace que el sonido se sofoque y se convierta aún más en problemas de calidad. Por el contrario, el placer, el optimismo se caracterizan por una sensación clara y agradable en la mano izquierda, en primer lugar. , mientras hay una mayor atención a la técnica, el placer de una solución exitosa en uno u otro lugar difícil; ambas manos son livianas, el sonido es muy claro y transparente, muy rápido, pero después de tales ejercicios, la sensación “real” de la música desaparece un poco. Muy interesante, pero extremadamente inconveniente para los violinistas, es el hecho de que ambos estados se intercambian instantáneamente, es decir, después de tocar un concierto o tocar en todos los aspectos con éxito y de manera agradable (al día siguiente), se puede esperar un deterioro cualitativo en técnica, un sonido que parece salir de debajo de un bushel, y la propia sensación ligeramente extraña del juego).

Así, hemos mencionado regularidades psicológicas, de las cuales se desprende claramente que “experimentar” la música a veces resulta poco rentable para el aparato de ejecución de un violinista. Sin embargo, afortunadamente, también existen patrones fisiológicos gracias a los cuales se pueden combatir las pérdidas de calidad.

Hay que desarrollar una “reserva de emergencia”, un conjunto de medidas que algún día habrá que aplicar conscientemente, consiguiendo con las propias manos una u otra calidad sonora. Para el autoajuste de la máquina de juego, ejercicios especiales , cuyo conjunto es individual para cada persona (de acuerdo con sus características psicológicas y fisiológicas). Sólo se puede decir que en este caso, los movimientos más simples, sencillamente bien ejecutados, pueden ser de gran utilidad: escalar pasajes con uno o dos dedos; Los ejercicios de Schradik (los tres cuadernos, pero especialmente el primero y el segundo, y en aquellas secciones donde se dan ejercicios en posiciones altas).

C. Cómo desarrollar cualidades líricas puramente musicales

Sin embargo, es más fácil para una persona capaz eliminar problemas menores asociados con una actitud demasiado emocional hacia los negocios que desarrollar en alguien las cualidades necesarias para una percepción profunda y una interpretación animada de la música. Básicamente, estas cualidades vienen dadas por la naturaleza.

Y, sin embargo, pueden fortalecerse significativamente si (desde el comienzo mismo de la educación del niño) se sigue una política pedagógica consciente, prestando atención al desarrollo de la sonoridad y el fraseo de la cantilena, así como al desarrollo psicoemocional general de el estudiante.

1. Producción de sonido

Quizás un hallazgo exitoso de la pedagogía infantil en Rusia es que los llamados conciertos “educativos” (Accolai, Rode, Viotti, Spohr, etc.), que son interpretados por niños en el primer Los grados de las escuelas especiales, casi todos pertenecen a la era musical romántica, que forma a la perfección la capacidad de trasladar los propios sentimientos y sensaciones a la interpretación de una obra. Esta tradición no es universal. En Alemania, por ejemplo (al menos en algunas ciudades), por el contrario, se lleva a cabo un entrenamiento estrictamente etapa por etapa, donde las obras estudiadas se ordenan en orden cronológico, como conferencias sobre la historia de la música. A los niños se les enseña a tocar el violín de los clásicos, de Mozart, lo cual, en mi opinión, es inapropiado, porque. ya requiere habilidad, y al mismo tiempo, lo que es especialmente importante, no hay margen para el retorno completo de las emociones …

Además de la estrategia de repertorio (que es mejor basarse en el modelo “ruso”), son útiles los estudios sobre la expresividad del sonido (por ejemplo, Kreutzer No. 13,14), que son material musical construido sobre ricos secuenciación, o simplemente de tal manera que se produzca un cambio constante en el color del sonido en función de las emociones vividas.

2. Frase . Todo tipo de cualidades de la cosmovisión lírica notadas al comienzo del resumen (desenfoque de líneas) determinan un tipo de fraseo completamente diferente: respiración completa . Desde un punto de vista metodológico, es importante enseñar al alumno que la melodía no comienza con el movimiento del arco y no está determinada por sus sucesivos cambios.

Además: ni las leguas, ni los acentos puestos por el editor de las notas o el propio autor, ni el cambio de matices, ni siquiera el más repentino, nada de esto puede ser una “valla”, un obstáculo en el camino a la verdadera musicalidad.

Ya en las primeras etapas de aprendizaje, es importante acostumbrar al proceso de formación gradual de una frase plástica , que no depende de ningún factor externo (técnico o musical).

(En este sentido, me gustaría mencionar un problema como el problema de las pausas . Surge desde los primeros años de estudio de la música y a menudo permanece incluso en un nivel superior (conservador). Recordemos el 2 de Izaya sonata para violín solo (especialmente los movimientos 1, 4, – “Obsesión” y “Furias”): para muchos no funciona, porque todos perciben las pausas como una separación, pero en realidad unen . Uno debe poder pensar a través de una pausa .

Por cierto, la segunda parte de la misma sonata de Izaya – “Melancholia” – es uno de los ejemplos más integrales y únicos de respiración continua en la literatura de violín. Revela una afinidad con el lamento del folclore: la disolución absoluta de los elementos estructurales en un comienzo único, fluido e individual. Su ejemplo es la mejor manera de expresar -en un sentido amplio- el concepto de “actitud lírica”).

D. Suplemento: Sobre la estrofa musical

Este tema sumamente interesante merece un estudio especial, sólo podemos esbozarlo brevemente aquí.

Arriba mencionamos el “Poema” de Chausson y su nombre nada casual, que nos recuerda aquellos tiempos en que la música y la poesía eran un solo todo (la poesía de Alcaeus y Safo en la antigua Grecia). En realidad, entonces se llamaba letras .

Ahora la música es una forma de arte independiente que ha perdido contacto con la poesía. Sin embargo, en una serie de obras (principalmente, sólo en las referidas en este ensayo) hay el problema de la estrofa como único elemento que organiza el tejido musical (algunos episodios de cantilena sin solución estrófica se estiran, al escucharlos se tiene la sensación de que son más largos que los escritos).

Esta cuestión se resuelve al más alto nivel musical, y normalmente de forma puramente intuitiva.

… Entonces, hemos considerado un complejo de problemas relacionados con las letras o, se podría decir, con la manifestación de la “musicalidad” en la música.

Al mismo tiempo, tuvimos la oportunidad de asegurarnos de que surgen en varios niveles de la interpretación del violín, desde la infancia hasta una edad muy madura, por lo que probablemente sería interesante para todos los violinistas reflexionar sobre este tema.

Anna Blagaya, 1999

Obras musicales líricas | Clase de música

El centro de cualquier obra lírica son los sentimientos y experiencias de una persona (por ejemplo, el autor o el personaje). Incluso cuando una obra describe hechos y objetos, esta descripción pasa por el prisma del estado de ánimo del autor o héroe lírico, mientras que la épica y el drama implican y exigen una mayor objetividad.

La tarea de la epopeya es una descripción de hechos, y el punto de vista del autor en este caso es el punto de vista de un observador imparcial. El autor del drama está completamente desprovisto de su “propia” voz; todo lo que quiere transmitir al espectador (lector) debe quedar claro a partir de las palabras y acciones de los héroes de la obra.

Así, de los tres tipos de literatura tradicionalmente distinguidos -lírica, épica y dramática- son las letras las que se acercan más a la música. Requiere la capacidad de sumergirse en el mundo de las experiencias de otra persona, que a menudo son de naturaleza abstracta, y es la música la que mejor puede transmitir sentimientos sin nombrarlos. Las obras musicales líricas se dividen en varios tipos. Consideremos brevemente algunos de ellos.

Letras vocales

El romance es uno de los géneros más extendidos de las letras vocales. Un romance es una obra escrita sobre un poema (generalmente pequeño) de carácter lírico. La melodía de un romance está estrechamente relacionada con su texto y refleja no solo la estructura del poema, sino también sus imágenes individuales utilizando medios como el ritmo y la entonación. Los compositores a veces combinan sus romances en ciclos vocales completos (“Beethoven’s To a Distant Beloved”, “Winter Way” y “The Beautiful Miller’s Woman” de Schubert y otros).

Letras instrumentales de cámara

Las obras de cámara están destinadas a ser interpretadas por un pequeño grupo de intérpretes en salas pequeñas y se caracterizan por una gran atención a la personalidad de una persona. Estas características hacen que la música instrumental de cámara sea muy adecuada para transmitir imágenes líricas. El comienzo lírico en la música de cámara se manifestó con especial fuerza en el trabajo de los compositores románticos (“Canciones sin palabras” de F. Mendelssohn).

Sinfonía lírico-épica

Otro tipo de pieza musical lírica es la sinfonía lírico-épica, que tiene su origen en la música austro-alemana y se considera la fundadora de Schubert (sinfonía en do mayor). En tales obras, la narración de eventos se combina con las experiencias emocionales del narrador.

Sinfonismo lírico-dramático

Las letras en la música se pueden combinar no solo con la épica, sino también con el drama (por ejemplo, la sinfonía 40 de Mozart). El drama en tales obras aparece, por así decirlo, por encima de la naturaleza lírica inherente a la música, transformando las letras y usándolas para sus propios fines. El sinfonismo lírico-dramático fue desarrollado por los compositores de la escuela romántica, y luego en el trabajo de Tchaikovsky.

Como vemos, las piezas musicales líricas pueden adoptar diversas formas, cada una de las cuales tiene sus propias características y es de interés tanto para los oyentes como para los musicólogos.

Autor – Alexey Bochkar

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