Villas de añasco: Asociación de Pensionados

MAGNASCO • Gran Enciclopedia Rusa

MAGNASCO (Magnasco) Alessandro (apodo Lissandrino) (4.2.1667, Génova – 12.3.1749, ibíd.), italiano. pintor. Hijo del pintor genovés Stefano Magnasco; a la edad de diez años se trasladó a Milán, donde ca. 1681 – 1682 entró en el estudio de F. Abbiati, bajo cuya dirección completó una serie de retratos (“Retrato de un hombre”, 1680, Pinacoteca Brera, Milán) y una serie de religiones. pinturas (“San Francisco consolado por ángeles”, década de 1680, Galería Palazzo Bianco, Génova). Los dibujos y grabados de J. Callo, las pinturas de P. Veronese, Tiziano, S. Rosa y otros maestros de los siglos XVI y XVII, que vio en colecciones privadas, principalmente en la colección del duque florentino Ferdinando Medici, tuvo una gran influencia en la formación de M. . Empecé a trabajar por mi cuenta. 1690. Vivió y trabajó en Milán (c. 1677-1703 y 1709-35), Florencia (1703-09) y Génova (1735-49).

A. Magnasco (con la participación de C. Spera). “Bacanal”. década de 1710 (?). Hermitage (San Petersburgo).

La obra de M. se distingue por una variedad de temas: escribió historias mitológicas, del Nuevo y Antiguo Testamento, episodios de la vida de monjes y ermitaños, interiores de sinagogas, reuniones cuáqueras, escenas de brujería y el sábado de las brujas, iluminado. y personajes teatrales (Don Quijote, Pulcinella), así como las imágenes “bajas” de pastores, pescadores, lavanderas, gitanos, soldados, bandoleros, etc., tan populares en la época, como maestro de pequeñas composiciones de género y escenas de personal ( pittore delle figure), colaboró ​​con los paisajistas A. F. Peruzzini y A. Tavella, el artista de fondos arquitectónicos K. Spera, entre otros. En estas obras conjuntas, las figuras pintadas por M. espiritualizan los esquemas estándar de paisajes y ruinas: construir planos en ellos, creando un paisaje espacial”, 1697, colección privada, Milán), desempeñan el papel de un paquete compositivo (“El martirio de San Erasmo”, década de 1690, colección privada, Milán), envuelven estructuras arquitectónicas como la hiedra (“Bacchanalia”, Museo Pushkin; “Bandits’ Halt”, “ Bacchanalia, the Hermitage, St. Petersburg; all 1710s?), y en las escenas interiores crean un acento luminoso y vibrante (Synagogue y Quaker Meeting, ambos c. 1704, Galería de los Uffizi, Florencia). El artista pinta con trazos abiertos de verde, azul, amarillo y otros colores, por lo que su estilo de improvisación se denominó pittura di tocco (pintura de un trazo). M. combina las figurillas con elementos del interior o del paisaje de tal manera que, perdiendo el reconocimiento de género, se convierten en un elemento de color del espacio, creando una mancha de color espacial compleja. Este principio de percepción pictórica abstracta del motivo es claramente visible en las pinturas de pequeño formato de M. (“El amor de Pulcinella”, 1700, Museo de Arte, Copenhague; “Don Quijote”, 1719-25, Art Institute, Detroit) y en sus dibujos. En obra gráfica, apoyándose simultáneamente en las tradiciones de J. Callo (la transformación de un motivo de género en una composición improvisada de verticales, horizontales y diagonales en el plano de la hoja) y el dibujo veneciano (papel tintado, la técnica de los “tres lápices”). , M. explora las posibilidades de los medios gráficos y cromáticos de transformación del espacio (“Hombre con tronco”, Galería Palazzo Rosso, Génova; “Capuchinos en el camino”, colección privada, Milán).

En el período comprendido entre 1720 y 1725 M. supera los estrechos límites del género de la figurilla y se convierte en paisajista. En su obra aparecen interiores hechos a sí mismo, pintados como un paisaje (“Sinagoga”, 1725-1735, Museo de Bellas Artes, Cleveland; “Refectorio de los Hermanos Osservante”, 1736-1737, Museo de la Ciudad, Bassano del Grappa), ruinas (“ Bacchanalia, 1720-30s, Ringling Museum of Art, Sarasota) y pinturas dominadas por el paisaje mismo (obras emparejadas El bautismo de Cristo y Cristo salvando a San Pedro, 1730s, Nat. Art Gallery, Washington; “Rezando monjes y pescadores tirando de una red junto al mar”, década de 1730, Museo de Arte, Copenhague). En estos trabajos, las tareas principales son la realización espontánea de la visión espacial del color y la transferencia de elementos del paisaje caóticos, cambiantes, pero al mismo tiempo organizados rítmicamente. El cuadro de M. “Recepción en Villa Albaro” (1735, Galería Palazzo Bianco) da la impresión de estar pintado al aire libre, aunque fue creado en el estudio: transiciones complejas de tonos marrones cálidos y azules fríos con la inclusión de un tono rojo del suelo crea un tono general cambiante de la imagen.

El trabajo de M., que desarrolló el problema de una fusión consistente de figuras y paisajes en un solo espacio pictórico, se convirtió en un eslabón en el desarrollo del italiano. género paisajístico de los siglos XVII y XVIII. y un hito importante en el camino hacia la formación del paisaje al aire libre como especial tarea pictórica en el siglo XIX. El pintor veneciano F. Guardi se convirtió en seguidor directo de M.

“Pintura italiana de la segunda mitad de los siglos XVII – XVIII” del ciclo “El Arte de Italia”

📌 Cartel de Moscú

Generalmente se acepta que Canaletto y Tiepolo son los últimos y únicos grandes maestros de Italia que abren las páginas de la historia de los tiempos modernos. El cambio de los siglos XVII-XVIII es poco conocido por los amantes del arte. Es como “tiempos oscuros”, un loco carrusel de extraños nombres y personalidades. Parece que todas las fuerzas se dirigieron a los académicos y caravagistas, disolviéndose a imitación de las tendencias novedosas de Francia. Sin embargo, fue durante este período que la pintura de género (paisaje, bodegón, batalla) adquiriría un rostro, los virtuosos de los colores y los pinceles en competencia entre sí practicarían la técnica individual, practicando la caligrafía del autor y la originalidad de la escritura. Artistas de Génova, Nápoles, Bolonia y Venecia iluminarán el cielo oscurecido de Florencia y Roma con un destello brillante, disolviéndose para siempre en el arte de la Nueva Era. Hablaremos de estrellas reales: la “feminista” Artemisia Gentileschi, el “bandido” Salvatore Rosa, el “loco” Alessandro Magnasco, el “español” Giuseppe Crespi, el “monje” Vittore Ghislandi, el “verdadero maestro del pincel” Pompeo Batoni. No cuentes a todos…

Te invitamos a sumergirte y descubrir el maravilloso mundo del arte italiano junto con Zoya Kuptsova, investigadora del Departamento de Bellas Artes de Europa Occidental del Museo Estatal del Hermitage, Custodia de la Pintura Italiana de los siglos XIII-XVI, curadora de las exposiciones de arte italiano “Raphael’s Line”, “El arte de la Edad Media. Obras maestras de las colecciones de la Galería Nacional de Umbría”, “Rafael Santi. “Hermoso jardinero”

La conferencia es parte del curso “Titanes de italiano Arte”.
El curso de conferencias está dedicado a la vida y obra de los artistas más importantes de Italia, con énfasis en las obras más icónicas, que a menudo son desconocidas para una amplia gama de personas; se pueden encontrar, por ejemplo, en una pequeña iglesia, e incluso el mismo nombre del autor te causará asombro.

El ciclo “Titanes del arte italiano” consta de 14 conferencias.
Nuestros temas de conferencias serán:
7 de julio Andrea Mantegna
14 de julio Sandro Botticelli
21 de julio Leonardo da Vinci
28 de julio Michelangelo Buonarroti Parte 1
4 de agosto Michelangelo Buonarroti
Parte 2
11 de agosto Raphael Santi
18 de agosto Correggio y Parmigianino
25 de agosto Familia Bellini
15 de septiembre Tiziano Parte 1
29 de septiembre Tiziano Parte 2
6 de octubre Tintoret To y Veronese 900 21 13 de octubre Canaletto
3 de noviembre Tiepolo
10 noviembre Pintura italiana de la segunda mitad de los siglos XVII y XVIII
17 noviembre Caravaggio
24 noviembre Los hermanos Carracci y el academicismo boloñés

Tradicionalmente, después de la conferencia, habrá una segunda parte, cuando en una conversación informal, los que lo deseen podrán hacer preguntas a Zoya Kuptsova, a las que ella estará encantada de responder.